A toda cultura establecida, sea o no de masas, aceptada por el establishment y controlada por unos poderes fácticos, le sobreviene una contracultura basada en la rebeldía y la oposición. Con esta premisa, en 1966, en San Francisco, apareció la que sin duda fue la contracultura de los sesenta: El movimiento Hippy
Pero, ¿Por qué San Francisco?, Pues porque la guerra de Vietnam ya era un hecho y desde el puerto de la ciudad salían los barcos o los aviones cargados con los jóvenes que se iban a luchar allí. Jóvenes con los diecisiete años recién cumplidos y, en la mayoría de los casos, de clases bajas, sin estudios, porque los que estudiaban una carrera podían librarse.
Lejos de ser una guerra más contra el comunismo, Vietnam se convirtió en un matadero sin salida y resultó ser la horma del zapato del poderío militar estadounidense.
Vietnam produjo más locos que ninguna otra guerra. En la Segunda Guerra Mundial los soldados regresaban a casa y se les recibía como héroes. En la de Vietnam no. Estos jóvenes soldados no eran héroes, sino que en muchos casos se les consideraba poco menos que asesinos de inocentes, mujeres y niños.
Estas dos últimas canciones son unos fragmentos del musical Hair, ópera beat sobre la cultura hippie de los años 60 en los Estados Unidos en la que aparecen todos los fundamentos del movimiento: el amor, la paz, la libertad sexual o el uso de drogas, todo lo cual supuso cierto descoloque entre las mentes bien pensantes de la época, a fin de cuentas, hay que tener en cuenta que en la obra se incluían desnudos integrales de todos los actores en algunas escenas. Más allá de todo esto, el musical Hair ha dejado algunas de las canciones más conocidas en todo el mundo hasta hoy en día, como «Aquarius» o «Let the Sunshine in», a pesar de que mucha gente no conoce el musical al que pertenecen.
Pues bien, en este contexto, pronto se demostró que el movimiento era algo más que una moda pasajera. Miles de jóvenes americanos se negaron a combatir en Vietnam, una guerra sin sentido como si alguna guerra tuviera sentido, y se marcharon a Canadá. Su lema “Haz el amor y no la guerra” hizo furor. Y, como no, no faltaron las drogas. El LSD (la dietilamida de ácido lisérgico) era legal. Era, y es, un alucinógeno que, combinado con los efectos de la música, producia “viajes” llenos de visiones.
Y así, con estos mimbres, se tejieron cestos musicales de extraordinaria calidad.
En muy poco tiempo aparecieron decenas de grupos y cantantes que supieron traducir al pentagrama el genuino espíritu del nuevo movimiento. Grupos como los, Los Grateful Dead…,
… o los Jefferson Airplane…
Otro grupo que consiguió el éxito subido al carro del movimiento hippy, después de bajarse del carro del folk rock fueron los Mamas and the Papas. Esta es su famosísima “Monday Monday”
The Mamas & the Papas fue un grupo vocal líder en la década de 1960. Fue uno de los grupos estandartes del folk rock neoyorquinos y uno de los pocos grupos estadounidenses que mantuvieron su éxito durante la Invasión británica junto a The Beach Boys y The Byrds. El grupo hizo grabaciones y actuó desde 1965 a 1968; produjeron cinco álbumes y tuvieron diez canciones en las carteleras musicales; aunque estuvieron un corto tiempo en la cima de la música, mantienen todavía fieles seguidores.
John Phillips, Cass Elliot, Denny Doherty y Michelle Phillips formaron la banda después de que fracasaran sus anteriores grupos de música folk. Su primer éxito en España fue Monday Monday, primer número uno de la historia de Los 40 Principales en julio de 1966, aunque fue la cara B del disco, la canción California Dreamin’, la que ha perdurado en el tiempo y la que más identifica al grupo.
El grupo se disolvió en 1968. En una entrevista tras su separación, en la revista Rolling Stone, Cass admitió que ella había declarado a sus compañeros que quería ser solista y esto, añadido a la ingente cantidad de problemas conyugales de los miembros del grupo, propició la ruptura del grupo.
Otra figura importante de la época, no lo fue tanto por su prolífica carrera (solo tuvo un éxito importante), si no por haber creado la canción que, durante muchos años, fue la bandera del movimiento hippy. Hablamos de Scott McKenzie y su famoso “San Francisco”
Pero podemos asegurar que, todos ellos, TODOS, fueron barridos por el carisma, la singularidad y la fuerza de Janis Joplin
Nacida en Port Arthur, Texas, Janis Joplin fue la mejor cantante de rock y blues blanca de los sesenta. En el escenario era un volcán. Su voz única y desgarrada, era capaz de comunicar mil emociones en cada registro.
Comenzó a cantar a los diecisiete años en clubs y cafés de poca monta. En el 66 se unió al grupo Big Brother and The Holding Company y, en plena fiebre hippy, se desató la leyenda. Aun sin tener discos, fueron invitados al Festival de Monterrey de 1967 y allí se asistió al nacimiento de un mito. Su actuación, sigue siendo uno de los hitos del rock. Alli aparecía con aspecto de cabaretera, botella en mano, visceral y dramática. Esta actuación conmocionó el mundo de la música.
Después de publicar dos LP extraordinarios, en plena grabación del tercero, Janis moría por alcohol y drogas la noche del 4 de octubre de 1970 y, lo mismo que Jimi Hendrix y Brian Jones, se convertía en miembro del club de los 27, del que hablaremos más adelante.
Muy cerca de San Francisco, en Los Angeles, tampoco se estaban quietos y fue allí donde, por estas fechas, se fraguó el que sería considerado primer gran grupo de rock americano de la época: “The Doors”.
Jim Morrison era de Florida, hijo de un oficial de la Armada. Como se demostró más adelante, Jim era un figura. Abandonó la universidad para emigrar a los Angeles y alejarse así de su familia. Comenzó a estudiar teatro y cine en la universidad de Los Angeles, la UCLA, y fue allí donde conoció a un teclista llamado Ray Manzarek. Decidieron formar un grupo al que llamaron The Doors. El nombre les viene a raíz del título de un libro de Aldous Huxley, The Doors of perception, y así fue como Las Puertas saltaron al estrellato. Junto con John Densmore al bajo y Robby Krieger a la guitarra completaron el grupo a finales del 66.
En directo eran brutales, y la llegada de los Doors al panorama musical americano fue memorable. Grabaron álbumes impresionantes, pero su escalada hacia la cima se vio salpicada por los constantes escándalos y borracheras de Jim. Tras una detención en Miami por “inmoral”, fue condenado a tres años de cárcel, aunque luego la condena se redujo a seis meses. Acabó emigrando a París y murió de un paro cardiaco el 3 de julio de 1971. Tenía 27 años.
No podemos despedirnos de los Doors sin escuchar antes su famoso “Light my fire”
Y entonces llegaron los festivales. Monterey fue el primer festival de Rock multitudinario y se convirtió en el modelo para futuros festivales, sobre todo Woodstock. A diferencia de éste, Monterrey fue un acontecimiento sin ánimo de lucro, y sus diversas filmaciones y grabaciones sonoras siguen obteniendo ingresos que van dirigidos para la Fundación sin fines lucrativos “Festival de Monterey”.
Monterey fue un gran acontecimiento, incluso para los estándares de hoy, con una asistencia diaria que llegó a un máximo de 50.000 personas y más de 200.000 en total las que asistieron a lo largo de los tres días (16, 17 y 18 de junio de 1967). Además, según las crónicas, no hubo víctimas, ni heridos, ni de sobredosis, ni violencia y no se realizaron detenciones. No se, igual había que poner en cuarentena alguna de estas afirmaciones.
Lo que si es cierto es que, a pesar de que la audiencia era predominantemente de color blanco, el proyecto de Monterey fue verdaderamente multicultural y cruzó todas las fronteras musicales, mezclando folk, blues, jazz, soul, R & B, rock, psicodelia, pop y géneros clásicos. Esta fue la actuación Simon & Garfunkel
Bueno, la verdad es que el sonido es un asco pero creo que merece la pena escuchar un directo que trasmite todas las sensaciones de un momento tan especial.
La nómina de las estrellas que actuaron en el festival es extensa. Cabe destacar a
Johnny Rivers, The Animals, los ya citados Simon and Garfunkel, Canned Heat, Steve Miller Band,The Byrds, Jefferson Airplane, Otis Redding, Ravi Shankar, The Blues Project, Big Brother and the Holding Company, Buffalo Springfield, Scott McKenzie, The Who, The Jimi Hendrix Experience, The Mamas & the Papas y un larguísimo etcétera.
Vamos a escuchar la actuación, creo que con mejor sonido, de Steve Miller.
La actuación en este festival de Jimi Hendrix fue un espectáculo indescriptible. Al terminar de interpretar “Wild Thing”, Hendrix golpeó su guitarra contra el escenario, la roció con gasolina y le prendió fuego. Esto produjo sonidos imprevistos y la actuación contribuyó a su creciente popularidad en los EE.UU.
Sobre Janis Joplin ya hemos hablado pero, podría decirse que su Lanzamiento en Monterrey la catapultó al éxito. Después del festival, se convirtió en una artista cada vez mayor a nivel nacional y vendió tantos álbumes que ganó dos discos de oro, en especial con “I Got Dem Ol ‘Kozmic Blues”
The Who, que había tenido sus más y sus menos con Jimi Hendrix al no estar de acuerdo sobre el orden de su salida al escenario, tuvieron una actuación memorable. Perdón nuevamente por el sonido pero es que, esto que oís, es lo que sonó en Monterrey el domingo 18 de junio de 1.967
The Who My Generation Monterey – My Generation
Si todos estos artistas destacaron por su participación en el festival, otros lo hicieron por su no aparición. Fue sonada la cancelación de última hora de The Beach Boys, y tampoco estuvieron ni los Beatles ni los Rolling.
The Beatles se habían retirado de las actuaciones en directo y los Stones no pudieron obtener su visado debido al reciente arresto por drogas de Mick Jagger y Keith Richards.
Un aspecto sumamente importante, y que pocas veces se menciona, es que Monterey fue también el primer concierto de rock benéfico ya que todos los artistas actuaron sin cobrar. Bueno, a excepción de Ravi Shankar.
A pesar de que el festival Monterey Pop fue el escenario de numerosas “primicias”, quizás el hecho más importante al respecto fue la visión de futuro de los organizadores al tomar la decisión de filmar y grabar todo el festival. Se contrató a Wally Heider para grabar todas las actuaciones con un estudio móvil equipado con cintas de ocho pistas, y se contrató al cineasta D.A. Pennebaker para hacer la película, estrenada en 1968 bajo el título de Monterey Pop. Fue una decisión extremadamente afortunada. El valor histórico del material grabado y filmado es hoy un tesoro incalculable para el rock and roll